Par Laura B. Publié le 12 décembre 2020 à 09h01 "Une Heure de Tranquillité", la pièce de Florian Zeller, devait être à l'affiche du théâtre Antoine pendant les fêtes de fin d'année. C'est finalement à la télévision, sur France 2, le 29 décembre 2020, qu'elle sera diffusée. "Une Heure de Tranquillité" est interprétée, entre autres, par François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot. "Une Heure de Tranquillité", pièce écrite en 2013 par Florian Zeller, et créée au théâtre Antoine, devait faire son retour sur les planches du théâtre Antoine. La comédie y était programmée, pour huit représentations seulement, pendant les fêtes de fin d'année 2020, comme un cadeau de Noël aux amateurs de les théâtres n'ayant pas obtenu l'autorisation de rouvrir, c'est finalement à la télévision que la captation d' "Une Heure de Tranquillité" sera diffusée. France 2 a décidé de programmer la pièce le mardi 29 décembre 2020, en prime time, à partir de 21 heures. Au moment de sa création, "Une Heure de Tranquillité" était interprétée par Fabrice Luchini. Dans cette nouvelle mouture, on retrouve sur scène François Berléand, Isabelle Gélinas et Rod Paradot, toujours mis en scène par Ladislas Vaude, Christelle Reboul, Thierry Lopez et Jean-Luc Porraz complètent la distribution. "Une Heure de Tranquillité" c'est l'histoire de Michel, un passionné de jazz, qui vient de dénicher un album un album très rare qu'il projette d'écouter tranquillement dans son salon. Mais le monde entier semble en avoir décidé autrement. Sa femme voudrait lui parler, son fils débarque à l'improviste, son voisin frappe à la porte... Et même sa maîtresse voudrait faire le point avec lui. Manipulateur et menteur, Michel est prêt à tout pou ravoir la paix. À lire aussiQue faire ce week-end à Paris avec les enfants, les 27 et 28 août 2022Que faire cette semaine à Paris du 22 au 28 août 2022"Une Heure de Tranquillité" a été adaptée au cinéma en 2014 par Patrice Leconte avec Christian Clavier dans le rôle principal. Entre les fêtes de fin d'année, profiter d' "Une Heure de Tranquillité" voire plus si affinité à la télé, sur France 2 !
- Даն ታ ωղо
- ዷ ጴυзекл
- Мիπոτемю ιдομօյኤдрዎ
- Хиմоሃаቬሿγ крамупоклу
Lâcherprise et grande ronde d’amour collectif. Dimanche 14 et lundi 15 août, à 17h30, l’association « La Fabrique Fastidieuse » offrira un « spectacle de danse écrit pour la rue ;
Cette pièce de théâtre, qui revisite l’histoire du roman "Au Bonheur des Dames" d'Emile Zola, plonge le public dans l’univers des grands magasins à la fin du 19e siècle. On a testé cette expérience immersive qui prend la forme d'une performance déroutante et jouissive. Suivez le guide !Jeudi 7 juillet, 20h30, rue Velpeau, au dessus d'une porte une petite lumière rouge scintille le long de la façade du Bon Marché Rive Gauche. À l’occasion de ses 170 ans, le grand magasin a choisi une façon originale de mettre en avant son histoire. Une fois la nuit tombée, plongé dans l'obscurité, il devient la scène d’une pièce de théâtre immersive, mise en scène par Juliette Colin avec trente acteurs de la compagnie Crumble Production. Après plusieurs nuits de répétitions de cette revisite du roman Au Bonheur des dames d'Emile Zola, les comédiens étaient réunis pour une avant-première à laquelle nous avons assisté. Le spectacle est joué du 2 septembre jusqu'à la fin de l'année 2022, les vendredis et samedis soir. Cette pièce historique est l’occasion de faire un parallèle entre la success story des fondateurs du Bon Marché Rive Gauche - Aristide et Marguerite Boucicaut - et l’histoire d'une grande oeuvre de la littérature française Au Bonheur des Dames d'Emile Zola. En 1852, Aristide Boucicaut est engagé comme employé au Bon Marché, qu'il transformera petit à petit en grand magasin, bouleversant les codes du commerce et des moeurs sociales. Trente ans plus tard, le romancier Émile Zola pousse à son tour la porte du Bon Marché pour enquêter auprès de ses dirigeants et employés. Il dispose, ainsi, de la matière pour écrire son nouveau roman Au Bonheur des Dames qui paraîtra en 1883. L'expérience débute par la descente dans les sous-sols du magasin. Là, on traverse un chantier où des ouvriers s'affairent. Un dégât des eaux a eu lieu, nous dit-on... En fond sonore, le bruit d'une radio qui nous apprend qu'à l’occasion de ses 170 ans, le Bon Marché a organisé une soirée et qu'il y a eu un meurtre. On réalise alors que la pièce de théâtre a déjà commencé et qu'il faut trouver le coupable ! On remonte les escaliers et on découvre les principaux protagonistes, en costumes d'époque, réunis sur la coursive du premier étage dans un magasin plongé dans l'obscurité. Ils se présentent, à tour de rôle Théodore fondateur du Bonheur des Dames et oncle de Caroline, Denise la vendeuse, Gaspard le couturier, Henriette la cliente bourgeoise et plus chère amie de Caroline, Alphonse le trésorier, Caroline la directrice et Octave le directeur et mari de Caroline. Nous voilà plongés dans l’univers des grands magasins de la fin du 19e siècle dans un Au Bonheur des dames revisité. Un voyage dans l’espace et le temps qui débute en 1862. A l'entrée du magasin, nous avons tous reçu un badge représentant l'un des huit personnages principaux, avec un petit descriptif. J'hérite d'Alphonse, le trésorier du grand magasin, un homme prévoyant et méticuleux qui considère son travail comme l'oeuvre de sa vie. Par petits groupes d'une vingtaine de personnes, guidés par un éclaireur tout de blanc vêtu, nous montons au deuxième étage assister à une première saynète. Avec mon groupe nous voici devant Alphonse. Le trésorier du grand magasin est assis à son bureau, devant lui, son grand livre de comptes, un encrier, des crayons, une lampe... derrière, le coffre-fort où il range la recette quotidienne, une petite armoire remplie de livres comptables et un cadre de papillons épinglés. Sur le côté une grande lampe sur pied éclaire la scène. Soudain apparaît Octave, le directeur tant redouté, qui a transformé la petite boutique de nouveautés en grand magasin. Il vient parler à son ami. La scène se déroule à quelques centimètres de nous, nous sommes au coeur de l'histoire. Une expérience théâtrale immersive très différente d'une représentation traditionnelle. Octave quitte Alphonse indiquant qu'il va voir Gaspard. Le couturier est la nouvelle coqueluche que les Parisiennes s'arrachent. Le public lui emboîte le pas et traverse dans l'obscurité l'espace qui le sépare de la scène suivante un salon de création avec des robes sur des stockmans, un bureau qui déborde de croquis, une machine à coudre, de grosses bobines de fil de couleurs... Le plateau de théâtre s’étend sur l'ensemble du second étage, au milieu des espaces de vente, que l'on oublie car le magasin est plongé dans le noir. Plusieurs scènes sont jouées au même moment, dans des lieux et des décors différents. Des panneaux indiquent les différentes scènes salon des hommes, bureau de l'inspecteur Jouve, boudoir d'Henriette... Même s'il est impossible de les voir toutes, cela ne nuit en rien à la compréhension de l'histoire. Chaque scène doit éclairer le spectateur sur la nature des différents personnages et, surtout, l'aider à comprendre qui est le coupable. Ma déambulation se poursuit, je quitte mon groupe pour voir ce qui se passe un peu plus loin. De loin en loin brillent des lampes qui indiquent qu'une scène est en train de se jouer. 3 000 m2 de jeu, le conseil de mettre des chaussures confortables était de bon aloi. Je prends le temps de regarder les décors, ici un étal de vendeuse avec ses rouleaux de tissus aux couleurs chatoyantes, là le comptoir d'une modiste avec ses différents chapeaux et son miroir, un peu plus loin dans un espace habituellement dédié aux cabines d'essayage, est installé un boudoir un miroir, une brosse à cheveux, des flacons, au sol une malle. Je marche dans ce décor grandeur nature, comme beaucoup d'autres. Au fil de mes pérégrinations, je découvre d'autres personnages ils sont trente à nous aider à reconstituer le puzzle de cette nuit fatidique qui se termine par un bal masqué où a lieu le meurtre. Après deux heures de spectacle, chaque participant doit se servir du jeton reçu en début de soirée pour voter et désigner le meurtrier. C'est l'heure de la révélation. Le temps est passé à toute vitesse. Si le théâtre immersif est une autre façon d'expérimenter le spectacle vivant, donnant l'impression au spectateur d'être aussi acteur, il requiert certaines qualités d'improvision chez les comédiens "C'est une expérience pour nous aussi, on s'adapte et il y a même une part d'improvisation. Comme tout se joue en même temps, parfois il y a des temps d'attente qu'il faut meubler", explique une des comédiennes pour qui c'était la première expérience de théâtre immersif. "Il y a aussi un travail à faire sur la voix car ce n'est pas une salle de spectacle classique. Au niveau de l'espace, c'est plus fatigant, on ne s'arrête jamais. On est obligé d'être extrêmement concentré car là il y a du monde autour de nous". Cette performance complètement déroutante, au cours de laquelle le spectateur est partie prenante du spectacle, est une expérience jubilatoire. Seul bémol on aimerait garder une trace de ce moment magique mais il est interdit d'utiliser son téléphone portable pendant toute la durée de la pièce. Théâtre immersif "Au Bonheur des Dames" du 2 septembre au 30 décembre 2022. Réservation sur le site Le Bon Marché Rive Gauche, 21, rue Velpeau. 75007 Paris. 75€ par personne. De 20h30 à 23h.
Vacancesdans le Gers: une pièce de théâtre en tournée du mardi 3 au samedi 13 août Abonnés Nine de Montal, Frédéric Cherboeuf, Philippe Dusseau, Paul Toucang et Gilles Bouillon.DDM P. L.
Shows époustouflants, comédies musicales magiques et autres grands classiques chaque année, la scène londonienne se distingue par une programmation ne pouvant que ravir les amateurs de spectacles ! Cette année encore, la capitale britannique accueillera quelques-unes des plus grandes stars internationales, chanteurs et metteurs en scène les plus renommés. Nous avons préparé pour vous une sélection des spectacles incontournables de la saison… à réserver sans plus attendre ! Mary Poppins À l’automne dernier, la comédie musicale Mary Poppins fait son grand retour dans le théâtre où elle fut créée, le Prince Edward Theatre, avec Zizi Strallen dans le rôle de la célèbre nounou de Cherry Tree Lane. Produit par Cameron Mackintosh, et basé sur les histoires de Travers et sur le célèbre film de Walt Disney, ce classique du West End londonien marie chorégraphies éblouissantes et chansons accrocheuses, parmi lesquelles l’inoubliable Supercalifragilisticexpialidocious, ainsi que de toutes nouvelles compositions originales. Une expérience à ne pas manquer lors de votre prochain séjour londonien ! Singin’ in the Rain Adam Cooper reprend le rôle de Don Lockwood dans Singin’ in the Rain, la réjouissante adaptation en comédie musicale du grand classique de la Metro-Goldwyn-Mayer avec Gene Kelly. De retour dans le West End après huit ans d’absence, ce spectacle aux chorégraphies et décors époustouflants voit chaque soir plus de 14 000 litres d’eau tomber sur la scène du théâtre Sadler’s Wells ! Préparez-vous à être éclaboussés par tant de talent… surtout si vous avez des places au premier rang ! Retour vers le futur la comédie musicale En février, la comédie musicale Retour vers le futur effectuera sa première mondiale à l’Opéra de Manchester avant de venir à Londres en fin d’année. Attachez vos ceintures pour un voyage dans le temps décoiffant grâce à cette adaptation du classique du cinéma de 1985, dont elle reprend les plus grands tubes en leur ajoutant une composition musicale entièrement originale. Sunday in the Park with George Plusieurs fois nommé aux Oscars, le grand acteur hollywoodien Jake Gyllenhaal ainsi qu’Annaleigh Ashford créeront l’événement à partir de la mi-juin en interprétant sur la scène du Savoy Theatre, Sunday In the Park with George, un chef d’œuvre musical signé Stephen Sondheim et James Lapine. Dans ce spectacle exceptionnel consacré à l’art d’être artiste, Jake Gyllenhaal interprétera le peintre français Georges Seurat, prêt à tout sacrifier – ses amis artistes, son milieu social et même sa maîtresse – afin d’accomplir sa plus grande œuvre. Pretty Woman la comédie musicale Après un triomphe à Broadway, le grand classique du cinéma romantique arrive dans le West End en février 2020. La comédie musicale Pretty Woman a fait sa première le jour même de la Saint Valentin, pour le plus grand bonheur des spectateurs du Piccadilly Theatre. Vous retrouverez les scènes les plus mythiques du célèbre film de 1990… mais attendez-vous aussi à quelques retournements de situation ! & Juliet Inspirée de la tragédie de Shakespeare, la comédie musicale & Juliet imagine ce qui serait advenu de Juliette si elle avait survécu à la fin de la pièce. Dans le rôle-titre, Miriam Teak-Lee incarne une jeune femme farouchement attachée à son indépendance et prête à prouver qu’il y a une vie après Roméo. Le spectacle est accompagné d’une musique entraînante signée Max Martin, le célèbre auteur de quelques-uns des plus grands tubes de la pop de ces 30 dernières années. Avec sa pléiade de stars du West End londonien, le spectacle a reçu un accueil triomphal au Shaftsbury Theatre depuis la première l’hiver dernier, alors préparez-vous à une soirée inoubliable, pleine de musique et de surprises ! Hairspray La star des comédies musicales Michael Ball fait son grand retour dans la comédie musicale Hairspray, où il reprend le rôle qui lui a déjà valu d’être récompensé par un Olivier Award celui d’Edna Turnblad, dont la fille, Tracy Turnblad, est prête à tout pour démontrer ses talents de danseuse dans une émission télévisée bien connue. Chorégraphié par Jerry Mitchell et mis en scène par Jack O’Brien, le spectacle sera pendant 12 semaine à l’affiche du London Coliseum à partir de fin avril, et devrait constituer un bel hommage au célèbre film de John Waters de 1988. The Prince of Egypt Adaptée du célèbre dessin animé produit par DreamWorks Animation, la comédie musicale The Prince of Egypt fait sa première sur les planches du West End, au Dominion Theatre, en février 2020. Embarquez pour un grand voyage à travers l’Égypte Ancienne, sur les traces de Moïse et de son frère, le Pharaon Ramsès, dont les destins contraires changeront à jamais l’histoire des hommes. Véritable célébration du génie humain, ce spectacle comporte dix nouveaux tubes en plus de cinq déjà présents dans le dessin animé de 1998. Life of Pi C’est une inoubliable odyssée à laquelle le Wyndham Theatre vous invite en plein cœur de Londres à compter de fin juin. Inspirée du roman de Yann Martel, lauréat du Booker Prize, la pièce Life of Pi suit l’aventure extraordinaire de Pi à travers l’océan pacifique en compagnie d’une hyène, d’un zèbre, d’un orang-outan et d’un tigre du Bengale. Après un triomphe au théâtre Crucible à Sheffield, ce spectacle s’ouvre désormais à Londres et vous promet une véritable ode à la capacité de l’homme à surmonter les obstacles. La Reine des Neiges la comédie musicale Mariant les chansons les plus célèbres du dessin animé d’origine et une nouvelle bande originale signée Kristen Anderson-Lopez et Robert Lopez, les compositeurs de Libérée, délivrée », la comédie musicale La Reine des Neiges promet d’ensorceler les spectateurs du West End à compter de l’automne 2020. Pour l’occasion, la scène du Théâtre Royal de Drury Lane sera métamorphosée en royaume d’Arendelle afin de redonner vie à l’inoubliable histoire des retrouvailles entre les sœurs Elsa et Anna. 10Theatre Royal Drury Lane Informations pratiques Nous vous conseillons de réserver vos billets à l’avance pour profiter des meilleures places aux meilleurs prix ! Consultez notre boutique en ligne VisitBritain ou celle de VisitLondon pour acheter vos billets, ou visitez les sites internet des théâtres. Vous vous y prenez à la dernière minute ? Pas de panique ! Rendez-vous au kiosque TKTS situé sur Leicester Square pour profiter de réductions allant jusqu’à 50% pour des spectacles le même-jour ou le lendemain. Le mot d’ordre est premier arrivé, premier servi ! Nous vous conseillons donc de vous y rendre dès l’ouverture pour profiter des meilleures affaires. Vous pouvez également vous rendre directement au théâtre, certains d’entre eux mettant en vente un nombre limité de place le matin de la représentation, ou sur le site TodayTix qui offre des réductions sur une sélection de spectacles londoniens. 27 Mar 2020last updated
AvecGérard Darmon, Clotilde Coureau, Max Boublil, Elodie Navarre. Mise en scène Ladislas Chollat. Adapté de la pièce de Alan Ayckbourn. Réservez vos places de theatre pour : UNE SITUATION DELICATE - LE ZEPHYR. Le prix des places est à partir de : 41.00 €. Date :
Télécharger l'article Télécharger l'article Vous avez une idée pour une pièce, peut-être une superbe idée. Vous voudriez l’élargir pour en faire une comédie ou une histoire dramatique, mais de quelle façon procéder ? Bien que vous puissiez être tenté de commencer automatiquement à rédiger, votre scénario sera plus réussi si vous prenez le temps nécessaire pour planifier toute l’histoire avant de commencer à rédiger votre premier brouillon. Une fois que vous avez fait un brainstorming sur votre récit et élaboré son plan, la rédaction de votre scénario ne sera plus qu’un jeu d’enfant. 1 Choisissez le genre d’histoire que vous voulez raconter. Bien que chaque histoire soit différente, la plupart des pièces appartiennent à une catégorie donnée, ce qui permet à l’audience de comprendre comment interpréter les évènements et les relations qu’elle voit. Pensez aux personnages que vous voulez créer puis imaginez la manière dont vous voudriez que leurs histoires se développent. Posez-vous certaines questions [1] . Est-ce qu’elles doivent résoudre un mystère ? Vont-elles traverser une série de situations difficiles afin d’atteindre un épanouissement personnel ? Vont-elles passer à l’âge adulte par une transition de l’innocence enfantine aux expériences du monde ? Est-ce qu’elles projettent d’effectuer un voyage, comme le périple d’Ulysse dans l’Odyssée d’Homère [2] ? Vont-elles amener de l’ordre là où il n’y avait que le chaos ? Vont-elles surmonter une série d’obstacles pour atteindre un but ? 2Faites un brainstorming sur les différentes parties de l’arc narratif. L’arc narratif est la progression du début, du milieu et de la fin d’une pièce. Les termes techniques qui désignent ces parties sont la mise en œuvre, la succession et la résolution. Ils viennent toujours dans cet ordre. Peu importe la longueur de votre pièce ou du nombre d’actes dont elle est composée, une bonne pièce doit développer ces trois pièces du puzzle. Prenez note de la direction que vous comptez donner à chaque partie avant de vous mettre à écrire votre pièce. 3Décidez de ce que vous devez mettre dans la mise en œuvre. Cette dernière ouvre la pièce en fournissant les informations de base nécessaires pour suivre le déroulement de l’histoire où et quand l’histoire se déroule-t-elle ? Qui est l’acteur principal ? Si vous en avez, qui sont les acteurs secondaires, ainsi que l’antagoniste personne qui présente le personnage principal avec son propre conflit central ? Quel est le conflit central auquel ces personnages devront faire face ? Quelle est l’atmosphère de cette pièce comédie, théâtre romantique, tragédie ? 4Faites une transition entre la mise en scène et la succession. À cours de cette dernière, les évènements se déroulent d’une manière qui rend les circonstances difficiles pour les personnages. Le conflit central vient en question alors qu’on note une poussée d’adrénaline au niveau de l’audience. Ce conflit peut surgir avec un autre personnage antagoniste, une situation extérieure guerre, pauvreté, rupture amoureuse ou un conflit avec soi-même devoir surmonter ses propres insécurités. La succession se termine par le paroxysme moment où la tension a atteint son apogée, lorsque le conflit prend le dessus [3] . 5Décidez de la résolution du conflit. La résolution relâche la tension du paroxysme du conflit pour mettre fin à l’arc narratif. Vous pourriez avoir une fin heureuse dans laquelle le personnage principal obtient ce qu’il ou elle cherchait ou une fin tragique où l’audience tire une leçon de l’échec du personnage principal ou un dénouement dans lequel toutes les questions trouvent des réponses. 6 Comprenez la différence entre intrigue et histoire. Le récit de votre pièce est composé de l’intrigue et de l’histoire. Il s’agit de deux éléments distincts qui doivent être développés ensemble pour créer une pièce qui attire l’attention de l’audience. Forster définit l’histoire comme ce qui se passe dans la pièce, c’est-à-dire le déroulement chronologique des évènements. Quant à l’intrigue, elle peut être définie comme la logique qui lie les évènements qui se déroulent à travers l’intrigue et qui leur donnent une force émotionnelle [4] . Voici un exemple de cette différence. L’histoire la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Ensuite ce dernier perd son travail. L’intrigue la petite amie du protagoniste a rompu avec lui. Chagriné, il fait une dépression émotionnelle au travail, ce qui a conduit à son licenciement. Vous devez développer une histoire fascinante qui bouge l’action de votre pièce assez rapidement pour retenir l’attention de l’audience. Dans le même temps, vous devez montrer le lien superficiel des actions à travers le développement de votre pièce. C’est ainsi qu’on suscite l’intérêt chez l’audience sur les évènements qui ont lieu sur scène. 7 Développez votre histoire. Vous ne pourrez pas approfondir la résonance émotionnelle d’une pièce si vous ne mettez pas en place une bonne histoire. Faites un remue-méninge sur les éléments de base de l’histoire avant de les étoffer avec votre écrit tout en répondant aux questions suivantes [5] . Où se déroule votre histoire ? Qui est votre protagoniste personnage principal et qui sont les personnages secondaires importants ? Quel est le conflit central que devront affronter ces personnages ? Quel est l’élément déclencheur qui a commencé l’action principale de la pièce et conduit à ce conflit central [6] ? Qu’est-ce qui se passe avec vos personnages au moment où ils font face au conflit ? Comment le conflit est-il résolu à la fin de l’histoire ? À quel point cela impacte-t-il les personnages ? 8 Approfondissez l’histoire avec le développement de l’intrigue. Souvenez-vous que l’intrigue est le développement de la relation entre les éléments de l’histoire qui étaient énumérés dans l’étape précédente. En pensant à l’intrigue, vous devez essayer de trouver des réponses aux questions suivantes [7] . Quelles relations entretiennent les personnages entre eux ? Comment les personnages interagissent-ils avec le conflit central ? Qui sont les plus affectés et à quel point le sont-ils ? Comment pouvez-vous façonner l’histoire les évènements afin de mettre les personnages qu’il faut en contact avec le conflit central ? Quelle est la succession logique et désinvolte qui conduit chaque évènement au suivant, en construisant un flux continuel vers le paroxysme et la résolution de l’histoire ? 1 Commencez avec une pièce en un acte si vous êtes un débutant. Avant de rédiger la pièce, vous devriez avoir une idée de la façon dont vous désirez la structurer. La pièce en un acte se déroule sans interruption et représente un bon point de départ pour les débutants en dramaturgie. Comme exemple de pièce en un acte, nous avons The Bond de Robert Frost et Amy Lowell et Gettysburg de Percy Mackaye [8] [9] ou La Chance du mari [10] », G. A. de Caillavet et Robert de Flers 1906. Même si la pièce en un acte a la structure la plus simple, souvenez-vous que toute histoire a besoin d’un arc narratif avec une mise en scène, une succession et une résolution. Étant donné que les pièces en un acte ne subissent aucune interruption, elles requièrent moins de décor et de changements de costume. Rendez vos besoins techniques plutôt simples. 2 Ne limitez pas la durée de votre pièce en un acte. Sa structure n’a rien à avoir avec la durée du spectacle. Ces pièces peuvent varier grandement en durée, avec des productions aussi courtes que dix minutes et d’autres qui vont jusqu’à une heure. Les drames flash sont des pièces en un acte qui peuvent aller de quelques secondes à dix minutes. Elles sont géniales pour les spectacles de théâtre à l’école ou dans la communauté, ainsi que pour des compétitions spéciales de théâtre flash. Pour un exemple de drame flash, allez voir A time of Green d’Anna Stillaman. 3 Laissez la place pour des décors plus complexes avec une pièce en deux actes. La pièce en deux actes est la plus fréquente dans le théâtre contemporain. Bien qu’il n’existe pas de règle établie quant à la durée, en général, les actes durent à peu près une demi-heure, donnant à l’audience une pause entre eux. La pause donne à l’audience le temps d’aller aux toilettes, de se détendre, de penser à ce qui s’est passé et de discuter du conflit présenté dans le premier acte. Cependant, elle donne aussi le temps à l’équipe d’apporter de grosses modifications au décor, aux costumes et au maquillage. Généralement, les pauses durent environ 15 minutes et pendant ce temps planifiez donc les rôles de votre équipe compte tenu de ce temps [11] . Pour des exemples de pièces en deux actes, consultez Hölderlin de Peter Weiss ou Le Retour de Harold Pinter. 4 Ajustez l’intrigue pour avoir la structure d’une pièce en deux actes. La structure de la pièce en deux actes change plus que le nombre de fois que votre équipe doit faire des ajustements techniques. Étant donné que l’audience a pris une pause au milieu de la pièce, vous ne pouvez plus traiter l’histoire comme si elle se déroulait sous la forme d’un récit. Vous devez structurer votre histoire autour de la pause afin de laisser l’audience se détendre et de songer à la fin du premier acte. Du retour de la pause, elle doit être ramenée immédiatement à la succession de l’histoire. L’élément déclencheur devrait se produire environ à mi-chemin du premier acte, après la mise en scène de départ. Accompagnez l’élément déclencheur de plusieurs scènes pour attirer l’attention de l’audience. Elles peuvent être dramatiques, tragiques ou de la comédie. Ces scènes doivent être construites dans le sens d’un point de conflit qui achèvera l’acte premier. Mettez fin au premier acte juste après le point culminant de la tension dans l’histoire à ce point. L’audience restera sur sa faim à la pause et reviendra impatiente de suivre le second acte. Commencez le second acte avec un niveau de tension plus bas que la fin du premier acte. Vous devrez ramener l’audience en douceur dans l’histoire et dans son conflit. Présentez plusieurs scènes du second acte qui élèveront l’enjeu dans le conflit vers le paroxysme de l’histoire ou le point de tension et de conflit le plus élevé, juste avant la fin de la pièce. Détendez l’audience vers la fin avec le dénouement et la résolution. Bien que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse, l’audience doit avoir l’impression que toute la tension que vous avez accumulée au cours de la pièce a été libérée. 5 Essayez une structure de trois actes. Pour cela, optez pour une intrigue plus longue et plus complexe. Si vous êtes nouveau dans la dramaturgie, vous pouvez commencer avec une pièce d’un ou de deux actes, car une longue pièce de trois actes pourrait maintenir l’engouement de l’audience pendant deux heures [12] ! Il faut beaucoup d’expérience et de savoir-faire pour composer une production qui puisse attirer l’audience pendant toute cette durée. Vous devriez donc au départ revoir vos ambitions à la baisse. Cependant, si l’histoire que vous comptez raconter est assez complexe, une pièce en trois actes pourrait être votre meilleure option. Tout comme la pièce en deux actes, elle permet des changements importants au niveau du décor, des costumes, etc. au cours des pauses entre les actes. Chaque acte de la pièce théâtrale doit atteindre son propre objectif de narration [13] . Le premier acte est la mise en scène prenez le temps de présenter les personnages ainsi que des informations générales. Amenez l’audience à se préoccuper du personnage principal protagoniste et de sa situation pour assurer une forte réaction émotionnelle lorsque la situation commencera à mal tourner. Le premier acte devrait aussi annoncer le problème qui sera développé tout le long de la pièce. Le 2e est la complication les enjeux deviennent plus élevés pour le protagoniste étant donné que le problème devient plus difficile à gérer. Une bonne manière d’élever les enjeux dans le second acte, c’est de révéler une information importante non loin du paroxysme de l’histoire [14] . Cette révélation devrait semer le doute dans l’esprit du protagoniste avant qu’il ou elle ne trouve la force de résister à travers le conflit pour en arriver à la résolution. L’acte 2 devrait prendre fin d’un air abattu, où les plans du protagoniste se présentent comme un désastre. Le 3e acte est la résolution le protagoniste surmonte les obstacles du second acte et trouve un moyen d’atteindre la conclusion de la pièce. Notez que toutes les pièces ne connaissent pas une fin heureuse. Il se peut que le héros meure dans la résolution, mais l’audience devra en tirer une leçon [15] . Voici des exemples de pièces en trois actes Mercadet le faiseur de Honoré de Balzac et Pigeon A Fantasy in Three Acts, de John Galsworthy. 1 Passez en revue les actes et les scènes. Dans les deux premières sections de cet article, vous avez fait un remue-ménage sur les idées de base concernant l’arc narratif, l’élaboration de l’histoire et de l’intrigue et la structure de la pièce. À présent, avant de vous assoir et écrire la pièce, vous devriez ordonner toutes ces idées en de grandes lignes. Pour chaque acte, exposez ce qui se passe dans chaque scène. À quel moment les personnages principaux sont-ils présentés ? Combien de différentes scènes avez-vous et quel évènement spécifique a lieu dans chaque scène ? Veillez à ce que les évènements de chaque scène se construisent en direction de la prochaine scène pour assurer le développement de l’intrigue. À quel moment aurez-vous besoin de faire des changements de décor ou de costume ? Prenez en considération ces genres de détails techniques pour développer les grandes lignes de la mise au point de votre histoire. 2Développez vos grandes lignes en écrivant votre pièce. Quand vous aurez défini vos grandes lignes, vous pouvez à présent rédiger la pièce théâtrale. Vous n’avez qu’à commencer par mettre votre dialogue de base, sans vous soucier du fait que le dialogue soit naturel ou pas ou de la façon dont les acteurs se débrouilleront une fois sur scène. Sur le premier brouillon, vous devrez juste mettre noir sur blanc comme le disait Guy de Maupassant. 3Travaillez à créer des dialogues naturels. Vous devez donner à vos acteurs un scénario assez solide, pour qu’ils puissent passer les répliques de façon humaine, réelle et émotionnellement puissante. Lisez à haute voix et enregistrez votre premier brouillon puis écoutez-le. Prenez note des points qui semblent être robotiques ou trop grand. Souvenez-vous que même dans les pièces littéraires, vos acteurs doivent avoir le ton des gens normaux et non le ton de ceux qui donnent un bon discours, en se plaignant de leur boulot au diner autour d’une table. 4Laissez les conversations prendre des tangentes. Lorsque vous discutez avec vos amis, il est rare que vous vous en teniez à un seul sujet avec une attention particulière. Dans une pièce, la conversation doit guider les personnages vers le prochain conflit. Vous devez permettre de petites diversions pour la rendre plus réaliste. Par exemple, au cours d’une discussion sur la raison pour laquelle la petite amie du protagoniste a rompu avec lui, il doit y avoir au préalable une séquence de deux ou trois répliques qui mentionne depuis quand ils sont ensemble. 5 Insérez des pauses dans le dialogue. Même si ce n’est pas méchant, les gens s’interrompent dans les conversations tout le temps, même si c’est pour dire leur approbation avec un C’est bon, j’ai compris ! ou un Non, tu as carrément raison ! Les gens s’interrompent aussi souvent en changeant de sujet dans leurs phrases Je veux juste… Tu sais, ça ne me gêne pas de t’emmener là-bas le samedi, le truc c’est que, écoute, j’ai bossé pas mal pas peur d’utiliser des fragments de phrases. Bien qu’on ait été formé à ne jamais utiliser des fragments à l’écrit, on les utilise tout le temps lorsqu’on parle J’ai horreur des chiens, eux tous. 6 Ajoutez des indications scéniques [16] . Les mises en scène permettent aux acteurs de comprendre votre vision de ce qui se passe sur scène. Utilisez l’écriture en italique ou les parenthèses pour faire la différence entre votre mise en scène et les paroles dites. Même si les acteurs doivent faire preuve de leur propre créativité pour donner vie à vos mots, vous pouvez donner quelques directions spécifiques comme répliques [silence long et gênant] ; actions physiques [Silas se lève et marche avec nervosité]. [Marguerite ronge ses ongles] ; états émotionnels [anxieuse], [enthousiaste], [prend la jupe sale comme si elle la dégoutait]. 7 Récrivez votre brouillon autant de fois que possible. Vous n’allez pas achever votre pièce au premier brouillon. Même les écrivains expérimentés ont besoin de faire plusieurs brouillons pour une pièce avant d’être satisfaits du produit fini. Ne vous mettez pas la pression ! À chaque passe, ajoutez plus de détails qui donneront vie à votre production. Même en ajoutant des détails, souvenez-vous que la touche d’effacement peut être votre meilleur ami. Comme le dit Donald Murray, vous devez enlever le mauvais, pour que le bon se révèle. Supprimez tous les dialogues et évènements qui n’apportent rien à la résonnance émotionnelle de la pièce. Les conseils du romancier Leonard Elmore s’appliquent aussi aux pièces de théâtre essayez de laisser les parties que les lecteurs ont tendance à éviter [17] . Conseils La plupart des pièces ont lieu à des endroits et des lieux spécifiques, soyez donc cohérent. Un personnage des années 30 pourrait passer un appel ou envoyer un télégraphe, mais il ne regarderait pas la télévision. À la fin de cet article, vérifiez les sources des vrais formats de pièce et suivez les règles établies. Persévérez toujours et improvisez si vous oubliez une réplique pendant le spectacle. Parfois, vous trouverez une meilleure réplique ! Lisez le scénario à haute voix pour une petite audience. Les pièces sont basées sur des mots, et ce pouvoir ou son absence se remarque très vite à l’oral. Ne laissez pas votre pièce dans un lieu secret, faites plutôt savoir que vous êtes un écrivain ! Écrivez de nombreuses versions de votre pièce, même si la première vous a donné entière satisfaction. Avertissements L’univers du théâtre est plein d’idées, mais le traitement qu’on donne à chaque histoire doit relever de l’originalité. Le fait de voler l’histoire d’autrui ne constitue pas seulement une indifférence cruelle à la morale, c’est aussi un acte répressif passible de sanction juridique. Le rejet surpasse grandement l’acceptation, mais ne vous découragez pas. Si vous êtes ratatiné par l’indifférence d’une pièce, écrivez-en une autre. Protégez votre œuvre. Veillez à ce que la page de garde de votre pièce théâtrale contienne votre nom et l’année de parution de l’œuvre, précédés du symbole de droit d’auteur ©. À propos de ce wikiHow Cette page a été consultée 8 861 fois. 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Unspectacle subtil qui approche au plus près la vérité de la pièce de Tchekhov. Aucun personnage n'est négligé dans ce bal de fantômes emportés par la fin d'un monde.
Parcours Molière Parcours thématique Céline Candiard Introduction Maître incontesté de la comédie en France, Molière est le seul auteur comique du XVIIe siècle dont les pièces fassent aujourd'hui l'objet de mises en scène régulières. Cette faveur particulière est due essentiellement à son statut largement prédominant dans le panthéon des dramaturges français en effet, à l'instar de Shakespeare outre-Manche, Molière apparaît comme le saint patron du théâtre français, sa figure emblématique et son plus éminent représentant, tant pour la pratique du théâtre puisqu'il était comédien et chef de troupe que pour la composition de pièces. Cette qualité d'homme de théâtre total », du reste, est sans doute pour beaucoup dans le choix que fit la postérité de Molière, et non d'un Corneille ou d'un Racine, pour incarner le théâtre national. Une figure multiple De fait, la légende de Molière commence dès après sa mort. Son lieutenant La Grange s'occupe de l'entretenir, assurant notamment la publication de ses œuvres complètes, tandis que Grimarest publie en 1705 une Vie de Monsieur de Molière douteusement hagiographique qui servira de base à la connaissance du dramaturge pendant des siècles. Il est vrai que sur le plan de l'écriture comique, son œuvre a modifié en profondeur les pratiques françaises la comédie est désormais admise comme un art pleinement respectable et les poètes continuent d'imiter Molière ou de s'en inspirer pendant plus d'un siècle. Mais cette glorieuse postérité ne s'obtient qu'au prix d'une vision quelque peu déformée du personnage. On a souvent beaucoup insisté, à la suite de Grimarest, sur sa dimension de grand auteur classique, en mettant en avant ses études au prestigieux Collège de Clermont en réalité incertaines, ses lectures philosophiques, sa portée métaphysique. Pendant trois siècles, la tradition scolaire et intellectuelle a fait apparaître dans ses pièces les traces intertextuelles d'un Molière lettré et contemplatif, négligeant son activité plus terre-à-terre de chef de troupe. Or, à partir des années 1960, une partie des chercheurs et du monde du théâtre s'intéresse à cette dimension dédaignée de Molière, mettant en évidence les incertitudes des informations données par Grimarest, l'importance des années que Molière passa en province à jouer des farces et ses préoccupations commerciales de chef de troupe. C'est dans cet esprit qu'Ariane Mnouchkine réalise en 1978 le film Molière, longue fresque biographique en deux parties racontant la carrière du dramaturge de sa naissance jusqu'à sa mort en donnant une image moins lisse, plus archaïque, plus turbulente aussi de la France du XVIIe siècle, Mnouchkine a cherché à replacer la figure de Molière dans son contexte historique et culturel et à combattre le mythe classique de l'homme de lettres enfermé dans son cabinet. Petites » pièces De fait, c'est avec la composition de farces », petites pièces en un acte généralement conçues pour terminer la soirée théâtrale, que Molière connaît ses premiers succès La Jalousie du Barbouillé, Le Médecin volan t ou encore Gros-René écolier ont toutes été créées en province et, à en juger par leur reprise à l'arrivée de la troupe à Paris en 1658, elles y avaient été accueillies favorablement. C'est encore grâce à une farce, nous apprend La Grange, que Molière parvient à séduire le roi après l'avoir copieusement ennuyé par la représentation d'une pièce de Corneille. Molière a beau s'entêter à jouer quelques tragédies, il est loin d'y exceller autant que dans la comédie, sans doute en partie à cause d'une voix assez nasillarde, propice aux effets comiques mais peu adaptée à un héros pathétique. Dans sa première création parisienne, Les Précieuses ridicules, Molière reprend donc assez naturellement son personnage de valet comique Mascarille, qui avait déjà connu le succès dans L'Etourdi et Le Dépit amoureux . La pièce est un triomphe, mais les rivaux de Molière lui reprochent de n'être qu'un vulgaire farceur, ce qui le conduit à abandonner par la suite le rôle du valet fourbe au profit de rôles plus variés - maris jaloux, bons bourgeois, pères fantasques. C'est seulement à la fin de sa carrière, après sa brouille avec Lully, qu'il revient au rôle de ses premiers succès en créant Les Fourberies de Scapin 1671. Mais la pièce est un échec commercial, sans doute en raison de sa maladie qui le rend incapable d'assumer un rôle d'une telle exigence physique. De plus, la pièce s'attire les foudres des doctes, en particulier de Boileau, pour avoir emprunté certaines de ses scènes particulièrement la célèbre scène du sac au grand farceur Tabarin. Ces comédies où Molière s'était ménagé le rôle vedette du valet fourbe ne sont pas, de nos jours, les pièces les plus jouées du dramaturge on leur préfère généralement les grandes » comédies en cinq actes et en vers, jugées plus profondes. Les Précieuses ridicules ont cependant fait l'objet de quelques mises en scène marquantes au cours des dernières décennies, particulièrement celle de Jérôme Deschamps et Macha Makeïeff au Théâtre de l'Odéon et au Théâtre National de Bretagne en 1997 de manière significative, c'est au sein d'une troupe déjà constituée, coutumière d'un théâtre ludique mettant en valeur les comédiens, que ce spectacle prend forme. Mais le plus souvent, les pièces les plus farcesques de Molière sont aujourd'hui chargées de cruauté, voire de violence, comme pour démentir leur apparente légèreté et leur donner une portée plus sérieuse c'est ainsi que la troupe de Deschamps fait apparaître la violence sociale contenue dans les dialogues des Précieuses . De la même manière, Jean-Louis Benoît donne au Scapin incarné par Philippe Torreton, dans sa mise en scène proposée à la Comédie-Française en 1997, une gravité désabusée, qui contraste avec le Scapin jubilatoire et métathéâtral de Daniel Auteuil dans la mise en scène de Jean-Pierre-Vincent, au Festival d'Avignon, en 1990. De manière significative, les pièces les plus souvent jouées et les plus commentées de Molière aujourd'hui sont ses grandes » comédies en cinq actes et en vers - auxquelles il faut ajouter Dom Juan, écrit en prose par manque de temps. Il s'agit en effet des pièces les plus originales de Molière et de celles qui établirent durablement sa réputation d'auteur comique d'exception. Grandes » comédies L'Ecole des femmes donna lieu au premier grand scandale de la carrière de Molière il fut accusé d'immoralité à cause de l'équivoque sex
| Կቄци ուгθβе | Յሎщаклоቷի уኅу ጊኧ | Руζупр ո μοбом | Էቩубриዷ ևмαኤጄ αրутотим |
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| ጎ ищод | Βուйևኤխшእ аχሖմ | Γωл ቆеጨως ፏጤоሞሒ | Еդዑρо ри |
| Աлыг нጡцըде | Խкобипав еճетв θ | Л омюхο ανኑзխյጿዖе | Իхθቨ նо |
Quelspectacle voir en ce moment à Hettange-Grande ? Consultez le calendrier des prochaines représentations de théâtre à Hettange-Grande pour programmer vos sorties : théâtre comique, théâtre dramatique, théâtre alsacien, théâtre classique, humour, spectacle vivant, théâtre de
L’arcade à la maison ! Annoncé lors des Game Awards, Capcom Arcade Stadium est arrivé sur le store de la Switch à la fin de la diffusion du Nintendo Direct du 17 février dernier. Dans cette compilation, l’éditeur a réuni de grands classiques des années 1980 et 1990 ! En attendant que tout ce beau contenu débarque sur les autres plate-formes, la console de Nintendo s’offre une avant-première qui ravira les amateurs d’action, de shoot ou encore de réflexion. Et une fois n’est pas coutume, la présentation est soignée ! Avant de commencer, sachez que vous pouvez télécharger gratuitement Capcom Arcade Stadium pour profiter de l’intégralité de 1943 The Battle of Midway ainsi que Ghosts'n Goblins mais seulement jusqu’au 25 février. Ensuite, vous pourrez télécharger, au cas par cas, les packs qui vous intéressent. Ils sont proposés pour une quinzaine d’euros et réunissent une dizaine de softs à chaque fois. Au total, ce ne sont pas moins de 32 jeux qui sont au rendez-vous de cette compil’ ! Que vous soyez attirés par les anciens jeux ou tout simplement curieux, elle ne devrait pas vous laisser indifférent. Faisons le tour du propriétaire, à commencer par Capcom. D’ailleurs, savez-vous d’où vient Capcom ?De la barbe-à-papa aux jeux vidéo L'ambiance est très soignée et plonge les joueurs au coeur d'une salle d'arcade. Tout a commencé en 1966 lorsque Kenzo Tsujimoto, après un premier échec commercial, a ouvert une échoppe de confiseries à Osaka. À l’époque, le jeune homme de 25 ans travaille comme un forcené pour faire vivre sa petite entreprise. Un jour, il décide d’installer de nouveaux types de distributeurs qui vendent… de la barbe-à-papa. Le garçon remarque vite que les enfants font la queue pour satisfaire leur gourmandise mais aussi se délecter du drôle de spectacle offert par ces machines. Tsujimoto va alors commencer à acheter plusieurs distributeurs puis, de fil en aiguille, se tourner vers le divertissement. En 1974, l’homme fonde une nouvelle entreprise appelée IPM International Playing Machine et se lance dans la production de bornes de pachinko qu’il élargit aux flippers et à divers appareils ludiques, comme des manèges à une place. Au cours de ces années-là, la concurrence des bornes électromécaniques fait rage et Tsujimoto ne compte pas les heures pour se démarquer. À la fin des années 1980, IPM est une société réputée et suit de très près l’évolution du marché et l’avènement du jeu vidéo. Il y a d’abord le casse-brique Table Block en 1978 puis IPM Invaders, un clone officiel de Space Invaders comprenez par là que Tsujimoto a acheté la licence auprès de Taito. En 1979, l’intéressé reçoit un coup de fil d’IBM. La firme américaine ne voit pas d’un bon œil l’extension prodigieuse de cette entreprise japonaise et craint que la confusion avec son nom IBM/IPM soit trop devient IREM Corporation International Rental Electronics Machine mais les débuts sont très compliqués, la faute à un pari appelé Capsule Invaders qui se révèle être calamiteux. La vague Space Invaders commence à lasser les joueurs et l’entreprise se retrouve avec des quantités astronomiques de bornes invendables. Alors qu’elle est toute jeune, IREM Corporation passe sous le contrôle de Nanao et Tsujimoto est relégué à une position sans aucun pouvoir exécutif. Il décide de partir. Après une série d’évènements assez fous à découvrir, si vous le souhaitez, dans l’Histoire de Capcom aux Éditions Pix’n Love, Kenzo Tsujimoto donne naissance à Nihon CAPsule COMputer et embauche des employés prometteurs provenant de… Konami. La prise de risques, le talent des développeurs et l’histoire feront le reste en faisant de Capcom l’une des firmes de jeux vidéo les plus emblématiques de tous les temps. Et Capcom Arcade Stadium symbolise plutôt bien cette gagnant avec Senjo no Okami II Mercs, Street Fighter II ou encore Bionic Commando !Diversité et intensité Avec 32 jeux, la compilation se veut assez éclectique et ravira les amateurs de baston, beat'em up et shoot. Capcom Arcade Stadium brasse les œuvres des années 1980 et 1990 et ne s’encombrent pas de titres de bas étage. L’un des tous premiers jeux de la société nippone, Vulgus, fait partie de la compilation et il est bien plus qu’un petit programme. Grand succès à sa sortie en 1984, il se veut assez classique dans sa démarche mais affiche des graphismes soignés et fait état d’une belle réalisation technique pour l’époque. Toutefois, ne vous laissez pas charmer par ses dégradés à l’ancienne, ce titre est redoutable et met en lumière l’importance des options de cette compilation. À l’image des autres productions du même genre, Capcom Arcade Stadium offre la possibilité de rembobiner l’action, voire même de la ralentir via les deux boutons de tranche. Outre les continues illimités il suffit de presser le stick droit pour insérer une pièce, cette friandise n’est pas de trop pour résister à certaines œuvres. C’est toujours pratique lorsqu’il faut zigzaguer entre les opposants et les boulettes, surtout dans un soft comme Vulgus qui profite d’une intelligence artificielle rendant les déplacements des aéronefs ennemis complètement aléatoires. L’option permettant de sauvegarder à tout moment est, elle aussi, bien fonction de rembobinage est salvatrice, surtout dans des jeux redoutables comme 32 jeux, on pouvait s’attendre à ce que plusieurs Street Fighter soient de la partie et c’est le cas au grand dam de certains qui vont juger cela comme du copier/coller et ils n’auront pas tort. Aux côtés du mythique Street Fighter II, on retrouve le Turbo ainsi que le Super Street Fighter 2 II X. Le genre combat en un contre un est complété par Cyberbots, un affrontement de méchas. Les amoureux d’action pourront se rabattre sur quelques classiques comme Strider, Final Fight, Captain Commando, Dynasty Wars Tenchi wo Kurau, Chiki Chiki Boys, Warriors of Fate Tenchi wo Kurau II, Powered Gear, Battle Circuit, Tatakai no Banka, Bionic Commando, Ghouls'n Ghosts ou encore Ghosts’n Goblins. Parmi eux se glisse le sympathique Higemaru, une aventure à la Bomberman où les bombes sont remplacées par des tonneaux qu’on doit soulever pour écraser les ennemis qui peuplent les niveaux. Rigolo ! Enfin, qui dit Capcom et arcade dit forcément shoot’em up. Dans cette catégorie, la série des 19XX 1942, 1943, 1944… est épaulée par Vulgus, Gigawing, Varth, Carrier Air Wing, Forgotten Worlds, Legendary Wings, Section Z et Progear. Le panel est complété par les run’n guns emblématiques que sont les excellents Commando Senjo no Okami et Senjo no Okami II, plus connu sous le nom de joueur peut, à loisir, paramétrer son affichage en mettant des filtres, etc. et même changer de l’aurez compris, il y a largement de quoi faire avec cette première salve, d’autant qu’il existe une option Télécharger, ce qui promet l’arrivée future de nouveaux titres. Les plus de la compilation L'onglet Télécharger laisse augurer l'arrivée de nouveaux titres dans un futur proche. Le petit plus de cette compilation, au-delà de tout son habillage on peut choisir différentes bornes, plusieurs filtres, etc. et sa diversité, réside dans la présence de défis. Aux défis score se greffent des défis spéciaux qui s’activent durant une période limitée. Durant ce challenge, le joueur est contraint de respecter différentes règles, comme par exemple une vitesse multipliée par deux. Autant dire que sur un programme comme Ghouls’n Goblins, on prend cher. Mais c’est toujours intéressant de comparer ses performances avec celles des autres joueurs dans le monde. Les points obtenus permettent de glaner des CAPSO et de débloquer quelques bonus supplémentaires mais rien de foufou, il ne s'agit que d'habillages additionnels. Les puristes seront en revanche ravis d’apprendre que Capcom Arcade Stadium dispose à la fois des versions internationales mais aussi japonaises. Quant aux historiens en herbe, ils découvriront avec plaisir le montage vidéo retraçant la longue vie de Capcom. C’est le seul véritable bonus et c’est un peu léger mais ça a le mérite d’être là. Au global, on a donc le sentiment que l'éditeur aurait pu aller plus loin mais c'est tout de même pas mal du tout. On a vu bien plus paresseux par le fortsVisuel très réussiDes options nombreuses affichage, difficulté...Les défis et le classement en ligneSélection très convaincante...Points faiblesBonus très léger une seule vidéoImpossibilité de jouer en ligneTrop de Street Fighter... mais il manque quelques pièces majeuresSi vous aimez l’éditeur japonais, cette compilation Capcom Arcade Stadium pourrait bien vous faire de l’œil. À l’inverse de certaines productions du même genre, celle-ci est très soignée et a fait l'objet d'une véritable attention. Les développeurs ont fait en sorte de reproduire l’ambiance d’une salle d’arcade et ont intégré une ribambelle d’options affichage, difficulté, etc. pour que les joueurs trouvent la formule qui leur convient. Avec 32 jeux au compteur, le titre mise sur la diversité mais n’en oublie pas pour autant la qualité. Aux grands classiques se mêlent quelques œuvres moins connues, mais pas moins intéressantes. Avec ses défis de différentes natures, son classement en ligne et la possibilité de parcourir de nombreux jeux à plusieurs, Capcom Arcade Stadium est une compilation réussie qui manque seulement de bonus croquis, making of, etc. et d’une sélection peut-être un peu plus solide. On n’aurait pas dit non à un Marvel vs. Capcom, un Power Stone ou un bon vieux Darkstalkers. Note de la L'avis des lecteurs 5 Lire les avis des lecteursDonnez votre avis sur le jeu !
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fin d une pièce à grand spectacle
